Facultat de Belles Arts

INAUGURACIÓ de l’exposició “SABERTÉS PER PICASSO PER SABART’ES” – MUSEO PICASSO

 

Exposició «Sabartés per Picasso per Sabartés », fins al 24 de febrer de 2019

Cinquanta anys després de la mort de Jaume Sabartés, fundador, amb Pablo Picasso, del Museu Picasso de Barcelona, l’arxiu personal que custodia el Museu podrà ser consultat pels investigadors. Aquest esdeveniment és el punt de partida de l’exposició i que vol reivindicar la figura de Sabartés no només com l’amic i confident de Picasso sinó també com a agent de tota una trajectòria personal: biògraf, escriptor, traductor, professor i intel·lectual compromès políticament amb el seu temps.

Picasso va fer el primer retrat de Sabartés l’any 1900 i, al llarg dels més de seixanta anys d’amistat, va seguir dibuixant-lo, tot sovint en forma de caricatura. Sabartés va escriure més de vint textos sobre Pablo Picasso, amb un treball, sostingut en el temps, d’estudi i divulgació de la biografia i dels processos de treball de l’artista, i amb la ferma convicció que Pablo Picasso era i seria en el futur el geni més gran i polièdric del segle XX.

El títol de l’exposició es refereix a aquest cercle que dibuixen les trajectòries de Sabartés i Picasso: escrits pictòrics i retrats literaris de tota una vida compartida.

INAUGURACIÓN de la exposición “DETRÁS DE AQUELLA PUERTA” de BRUNO CROCIANELLI – GRISART

 

Exposición: Detrás de aquella puerta de Bruno Crocianelli
Espacio: Mutuo Centro de Arte (Carrer Méndez Núñez 7)
Inauguración: Martes 4 de diciembre de 2018 a las 19.00h

 

‘‘¿Hay algo que aúne las experiencias de las personas, algo que –sin conocerse entre sí–, componga un amor en común, compartido?’’

El próximo martes 4 de diciembre a las 19.00h inauguraremos la exposición Detrás de aquella puerta, de Bruno Crocianelli, alumno del curso de Fotorreportaje2016/17, impartido por Rafa Badia.

El proyecto fotográfico, que además forma parte de la selección DOCfield 2018, se aproxima al universo de personas del colectivo de Lesbianas, Gays, Bisexuales, Transexuales e Intersex (LGBTI) que, por distintos motivos, decidieron dejar sus países de origen y migrar a Barcelona: “Volver a producir un territorio ahí, detrás de aquella puerta’’.

¡Os esperamos para compartir un brindis junto al autor!

 

 

EXPOSICIÓ “MEMOIRES JUMELLES” de JAUME PLENSA – MACBA

01 des. 2018 al 22 abr. 2019

Jaume Plensa (Barcelona, 1955) és un artista de materials, sensacions i idees. Les seves referències abracen la literatura ―en especial la poesia―, la música, la religió i el pensament. Ell es considera, abans que res, escultor, tot i que el seu procés creatiu ha transitat per múltiples disciplines. Les seves obres s’adrecen a la condició mateixa de l’ésser: la seva essència física i espiritual, la consciència de si mateix i del seu passat, els seus codis morals i dogmes i la seva relació amb la natura. El que no podem explicar és, precisament, allò que ens explica com a persones. El seu objectiu no és fer objectes, sinó desenvolupar relacions i incloure’ns-hi a tots.

L’exposició del MACBA comptarà amb obres des de la dècada de 1980 fins a les més actuals, en un recorregut que mostrarà el diàleg que es produeix entre les obres que representen la figura humana i les obres abstractes. Aquesta tensió és el fil conductor que travessa el conjunt del seu treball, un corpus que posa en relleu la força dels binomis com lleuger/compacte, llum/foscor, silenci/so, esperit/matèria i vida/mort.

L’exposició individual de Jaume Plensa al MACBA planteja un ampli recorregut pel treball d’un dels escultors catalans amb més projecció internacional. Guardonat amb el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat (1997), el Premio Velázquez de Artes Plásticas del Ministeri d’Educació i Cultura (2013) i el Premi Ciutat de Barcelona (2015), entre d’altres, és reconegut mundialment per la seva obra pública a ciutats com Chicago, Londres, Mont-real, Niça, Tòquio, Toronto o Vancouver.

Vint-i-dos anys després de la seva darrera exposició en un museu de Barcelona (Fundació Joan Miró, 1996), l’obra de Plensa es tornarà a veure en un museu de la ciutat. En paral·lel, el Museo Reina Sofía de Madrid presentarà un nou projecte de l’artista al Palacio de Cristal durant les mateixes dates.

INAUGURACIÓN de la exposición ” HUELLA” de NIL NEBOT – ESPRONCEDA

viernes, 11 enero

19.00 h  ESPRONCEDA

Inauguración HUELLA.Nil Nebot

Nos gustaría contar con vuestra presencia viernes, 11 enero, a las 19.00 h en Espronceda Centro para las Artes y la Cultura

Carrer D’Espronceda 326, Barcelona. Metro: Navas

 

 

El 11 de enero a las 19h se inaugura en Espronceda Centro para las Artes y la Cultura Huella. Nil Nebot, exposición individual del artista catalán Nil Nebot.

La muestra está comisariada por Ilaria Termolino, quien utiliza el potencial del arte para propiciar una reflexión sobre la importancia de la cuestión ecológica.

Nil revela, a través de sus obras, el deseo de oponerse a la sociedad del bienestar para volver a un mundo preindustrializado, a la pureza de lo primitivo.

Sin embargo, este deseo entra en conflicto con el momento histórico actual.

¿Es posible encontrar un compromiso entre utopía y realidad?

Con sus prácticas creativas Nil se propone alternativas a la economía capitalista y a su efecto devastador en el planeta. El bienestar al que todos aspiramos puede lograrse sin destruir y contaminar necesariamente el planeta. Pequeñas acciones individuales pueden hacer una diferencia enorme.

Todos dejamos una huella en el mundo: ¿cual es la tuya?

*Al finalizar el acto se ofrecerá un concierto con aperitivo*

¡Os esperamos!

EXPOSICIÓN “PLOM I PLATA. PANÒPTIC_MAKING OF” de NORA ANCAROLA – CANEM GALERIA

 

NORA ANCAROLA

NO Plom i Plata. Panòptic making_of

Del 17 de noviembre de 2018 al 5 de enero de 2019

Después de la Segunda Guerra, los jóvenes alemanes preguntaban a sus padres: – Qué hiciste a la guerra, padre? A este momento, de preguntas sin respuesta, le llaman la hora de plomo.
El 26 de septiembre del 1940, cuando Walter Benjamín deja esta vida, en un rincón estratégico de la ciudad de Portbou estaba La caseta de los alemanes, eufemismo que, hasta hoy, denomina el bunker donde se instaló la Gestapo.
La Caseta de los alemanes figura hoy como parte del itinerario turístico donde TimeOut escribe: «El paisaje es alucinante y las historias de nazis tienen mucha tirada, así que un selfie nos hará quedar como unos auténticos culturetas. Si además elegimos un día de tramontana –cuidado, pero, con acercarse a los acantilados- el dramatismo de la foto está asegurado.»
Recuperar la memoria de los lugares con el verdadero sentido histórico y cultural es una tarea que no podemos dejar de hacer, si queremos evitar que la historia se repita. En alemán la palabra GEWALT significa VIOLENCIA, pero también PODER institucional. nos deja pensativos…
Esta exposición contiene imágenes del making of de la instalación PANÒPTIC_frontera 601 que se presentará en Barcelona en junio del 2019 y las publicaciones relacionadas con el proyecto TEMPS DE PLOM I PLATA. Derives obligades.
NORA ANCAROLA Artista Visual (Buenos Aires). Desde 1978 vive en Barcelona. Es licenciada en Bellas artes por la Universidad de Bellas artes de Barcelona. Realiza estudiossobre técnicas, procesos y expresiones audiovisuales y teoría y prácticas del arte contemporáneo en Buenos Aires, Copenhague, Roma y Barcelona. Coordina y comisaría ciclos y exposiciones, a la vez que se dedica a la enseñanza del arte. Ha recibido varios premios y becas y su trabajo profesional se realiza en una línea de producción independiente y de investigación.
A medida que avanza en el tiempo, su trabajo está cada vez más estrechamente relacionado con dos aspectos de la realidad que le preocupan especialmente: la capacidad de los lenguajes artísticos para aportar nuevas lecturas a los pequeños –o grandes– relatos históricos y la realidad social, y por otro lado, la observación y la utilización de los procesos creativos en su potencialidad para gestionar el malestar individual y sistémico de la creación. Actualmente trabaja en TEMPS DE PLOM I PLATA, a partir de un archivo que contiene diecisiete proyectos relacionados con las derivas obligadas de los desarraigados, de los que han tenido que marchar involuntariamente de su lugar de origen (El arraigo, ¿Dónde durmieron nuestros abuelos?). Trata también de las pequeñas y grandes derivas migratorias que tienen muy poco a ver con el “flâneur” baudeleriano y si, en cambio, se encuentran más cerca del camino benjaminiano, de los momentos íntimos e intransferibles: Moments de plom, La maleta kafkiana, Trauma, Imatge i memòria, son algunos de los proyectos relacionados.

INAUGURACIÓ de l’exposició “NOUS TALENTS 2018 2V” – FACULTAT BELLES ARTS

La Facultat de Belles Arts es complau en convidar-vos a l’exposició 

NOUS TALENTS 2018 V2

 

 

Exposen nou artistes estudiants i ex-estudiants de Belles arts, que van quedar entre els millori classificats del XVII i XVIII concursos de pintura en el Passeig de Sant Joan.

 

Inauguració:

Dilluns, 3 de desembre de 2018, a les 13:00h

Sala d’Exposició de la Facultat de Belles Arts de Barcelona

(Pau Gargallo, 4, Barcelona).

[L’exposició es podrà visitar del 3 de desembre de 2018 al 21 de desembre]

 Esdeveniments de Facebook

 

Bernat Berini Suñé
Albert Bonay
Josep Grimalt Caselles
Victoria Hertel
Joan Lalucat Vehil
Elena Llorenç Cadiar
Nerea Martos
Mercis Rossetti Caral
Francisco Salas Quesada

INAUGURACIÓN de la exposición “13L X 20A” 13EXPACIOarte

Textliner 2018. Eugènia Agustí

EXPOSICIÓN:  “13L x 20 A”

Colectivo 13L

INAUGURACIÓN 30 de Noviembre / 20 h.

13L es un colectivo de artistas de Barcelona que surgió en 1998 en torno al libro de artista y al arte gráfico y que coinciden con una noción abierta del libro, entendido en un contexto de investigación y producción; una unidad visual y temporal, suma de relaciones entre la palabra y la imagen que se abre a una gran diversidad de formas e intenciones. Sus integrantes son:

Eugènia Agustí – Montse Carreño+Raquel Muñoz – Mercè Casanovas – David Curto – Enric Mas – Cristina Pastó – Eloi Puig – Rosa Tarruella – Alicia Vela – Eva Vila Pou – Antònia Vilà.

13L hace referencia al número de artistas y de libros, como si cada uno fuera una obra que forma parte de la Biblioteca Humana. Pero también cabe remarcar que 13L atañe al espacio de confluencia que compartimos. Es pues un colectivo de artistas a los que nos une la afinidad por el arte, la obra gráfica original, las publicaciones y el libro de artista.

No en vano es un grupo que se articuló desde sus inicios en torno a tres talleres de grabado donde compartíamos la implicación y el deseo de expandir la sonoridad del medio gráfico y su riqueza de lenguajes. Esta resonancia, aunque el origen del grupo remonta a 20 años atrás, es el motor para reunirse y presentar nuestros libros colectivamente.

La relación continuada y mantenida a lo largo del tiempo se ha manifestado en las distintas maneras de presentar proyectos de arte gráfico desde la diversidad de perspectivas, dejando un registro evolutivo vinculado a los cambios de percepción del territorio de la publicación.  Cada miembro de 13L ha mostrado los proyectos que le interesaban en cada momento y también ha participado en los proyectos de grupo: libros de artista, flyers, postales, láminas o feuilles volantes, así como cuadernos y otras clases de libros.

Diferencia y confluencia han sido los ejes que han  nutrido nuestra relación y que han creado, al hilo del tiempo, una genealogía de acercamientos poéticos y gráficos diversos, que nos han enriquecido hasta hoy para poder celebrar 20 años de trabajo conjunto.

 

+INFO

INAUGURACIÓ de l’exposició “FER-SE UN LLOC EN EL DESERT” DE TONI MOLINS I RAUL PÁEZ – FUNDACIÓ ARRANZ-BRAVO

Toni Molins. Raul Páez. Fer-se lloc en el desert

Comissariada per Biel Llinàs, l’exposició Toni Molins. Raul Paez. Fer-se lloc en el desert a la Fundació Arranz Bravo presenta una proposta conjunta de dos artistes emergents, Raul Paez i Toni Molins que desenvolupen una pràctica artística irreverent, des de contextos físicament i simbòlicament perifèrics. El desert posmodern, un espai, segons Gilles Lipovetsky, erm, sense fronteres ni camins predefinits on impera la lògica de la incertesa, la provisionalitat i l’autoexplotació, esdevé aquí metàfora tant del treball com de l’accelerada trajectòria de Molins i Páez, llaurada al marge dels circuits de producció hegemònics.

Davant la impossibilitat d’ocupar més espai horitzontal del que els ha cedit la institució, ambdós artistes decideixen agafar impúls i atacar l’espai verticalment, com qui salta una tanca que l’impedeix seguir el camí premeditat. Les seves obres, s’articulen aquí com a parts d’un tot que envaeix l’espai expositiu creant una unitat indivisible a partir de la pintura, l’escultura i la instal·lació. Els assemblages construits per Paez, a partir de material trobat i impersonal, que ens remeten als descampats (espais urbans sense una funció clara) i les flotants i inabarcables pintures de fons neutre de Molins, que es fan presents aquí com a miratges o aparicions espectrals, dialoguen en una constant tensió entre allò real i fictici, entre l’hostilitat del camí i l’èpica de superar la travessia. És en aquest espai inhòspit i immersiu, com el mateix desert, on les obres es fan presents com a fites que el visitant haurà d’interpretar per traçar el seu propi recorregut, seguint la lògica de l’etern errar que defineix la pràctica artística contemporània, a la recerca de l’oasis enmig del desert. Comptarà per això amb l’inestimable ajuda del kit d’explorador, format per un mapa del desert de la fundació i un conjunt d’enganxines amb els noms de cada peça que els serviran de full de ruta.

[Biel Llinàs]

Toni Molins (Sant Feliu de Llobregat, 1995) treballa al seu estudi de Sant Feliu de Llobregat i entre les seves fites més recents hi trobem Miracles de dubtosa autenticitat (2018) al Claustre de Santa Anna del Raval, Pensar-se com un anemòmetre (2018) a l’Espai Angram de Barcelona i la Bacanal al Palau Falguera (2017), a Sant Feliu, la seva ciutat natal.

Raul Paez (L’Hospitalet de Llobregat, 1995) es forma acadèmicament a l’Escola Massana i actualment treballa a l’Espai Garatge, a L’Hospitalet de Llobregat. Entre les seves exposicions hi trobem Enemy (2018), a la galeria Córdova, Es solo el principio (2017) al Centre Cultural Sant Josep, de L’Hospitalet de Llobregat o la participació en Arranz-Bravo 75/75 (2017) a la fundació.

Biel Llinàs (Felanitx, 1994) és artista visual i gestor cultural. La seva obra s’ha pogut veure, entre altres llocs, al V Premi de Pintura Internacional Guasch Coranty (2018) a Centre d’Art Tecla Sala, a Ciutat Subterrània 04 (2017) al CCCB i a En Paral·lel (2016), mostra individual a Ca’n Timoner, a Mallorca. S’inicia com a curador el 2017 a través del seminari de pràctiques curatorials ON MEDIATION #5.

 

+INFO

INAUGURACIÓN de la exposición “IMATGE I SEMBLANÇA” de SALVADOR JUANPERE – MUSEO DE MONTSERRAT

La voz de fondo de la escultura

La larga trayectoria escultórica de Salvador Juanpere está marcada por fuertes interrogantes sobre la razón de ser de la escultura, que combina con un gran respeto por los escultores atrevidos que le han precedido, de los que extrae pensamientos, comparte ideas sobre cuál sería el origen de la forma y especula con ellos, con filósofos y escritores sobre las complejidades de este oficio. Con el objetivo de relativizar la supuesta genialidad del quehacer artístico, ha trazado un mapa conceptual de todo lo que le rodea y hace aparecer un interesante mundo subyacente al hecho escultórico, que deja de ser secundario para crear imágenes poéticas. Juanpere consigue dar categoría escultórica tanto a los soportes materiales como a los conceptuales al tratarlos como a sujetos representables. El trabajo de Juanpere es un elogio permanente a la dualidad, intelectual y procesual, intrínseca al trabajo del taller.

Esta exposición pone el acento en el acto iniciático, de confluencias indefinibles, que tiene que ver con la disposición para crear y sus problemáticas inherentes. En la obra De massa unde fuit plasmatus Adam (1238) el artista nos recuerda que la forma más primigenia para cualquier creador es el molde de la propia mano. En la obra Et requievit die septimo, concebida hace casi tres décadas, la mitología religiosa de los seis días de la creación y el séptimo para descansar se funde con cada uno de los seis elementos (los quarks, elementos básicos de materia observados en los túneles de aceleración de partículas), sugiriendo que los nombres puestos por los científicos podrían haber marcado, día a día, el guion de la creación, en un intento de hacernos notar la vertiente espiritual de la ciencia.

La instalación realizada para esta exposición con catorce piedras de la propia montaña de Montserrat, Aquél que talla esculturas no hace sino acelerar el desmenuzamiento de las montañas, evoca unas palabras que Marguerite Yourcenar pone en boca del escultor renacentista Miguel Ángel. La mirada de Juanpere sobre la sierra de Montserrat no podía quedar ajena a sus frecuentes disquisiciones sobre la doble condición destructiva-constructiva respecto a la naturaleza que contiene el acto de la creación. Las placas de acero con la frase explícita se incrustan dentro de cada piedra; parece que sierran la montaña en un curioso juego metalingüístico con la denominación mont-serrat (“monte serrado”) y, sobre todo, apelan a la idea de poner la primera cuña y abrir la piedra para abordar la acción creadora.

El proceso creativo en sí mismo comporta un debate permanente entre deseos y renuncias, retos y fracasos, empatías y soledad vividos por el artista. La obra Berufung (que significa “llamada” o “vocación”, tanto religiosa como artística), reproduce fielmente cinco veces la piedra que la conocida escultura del David de Bernini tiene bien visible en la mano. Según la Biblia, llevaba cinco piedras en la bolsa para enfrentarse al gigante, al que venció al primer intento. Estas minúsculas piezas de mármol, como Juanpere explica, “evocan una reserva disponible de proyectiles, puestos al alcance para ser lanzados”. Simbolizan la actitud ejemplar de superación y la posibilidad de acertar, a veces contra todo pronóstico.

Una doble coincidencia ontológica acecha desde siempre en el trabajo de Salvador Juanpere. Por un lado, referida a la materia. La finca del campo tarragonés donde desarrolla su trabajo artístico, al pie de la imponente sierra de la Mussara, donde tiene sus raíces familiares, le ha legado una especial creencia en la fuerza telúrica del territorio, de donde emana una vena táctil vinculada a una fuerte intimación con las piedras. Una segunda conciencia ontológica le ata estrechamente a la historia del arte. En la obra Hurtos (Puso Dios en el mundo la belleza para que fuera robada), extraída de Ortega y Gasset, Juanpere desplaza el sentido de la belleza de los antiguos cánones estéticos a las nuevas relaciones con materiales aportadas por artistas como Penone, Tàpies, Cragg, Buren, Laib o Beuys. Cada caja contiene un elemento escultórico específico junto al nombre de su autor, escrito en minúscula para manifestar que aquello que parecen hurtos, objetos apropiados de cada escultor, en realidad son más bien semillas que pueden haber germinado en él. Los escultores con quien comparte complicidades, como dice el propio artista, “proveen al mundo de posibilidades latentes que erran como un polvo”.

Al inicio de su carrera artística aparece el interés por Caravaggio, a quien ya rindió homenaje en una pintura de 1977. En esta exposición retoma este interés con una cita sobre la pintura San Jerónimo penitente del Museo de Montserrat. Juanpere extrae de la oscuridad barroca el esquema esencial de la imagen con un pequeño dibujo transferido en medio de un fondo blanco impoluto del tamaño de la famosa pintura. A los pies del dibujo, una espada emergente de un gran bloque de mármol lleva la inscripción Nec Spe Nec Metu (“sin esperanza, sin miedo”), un lema de Isabella de Este que el artista hizo suyo y que da nombre a la obra. El artista mira al hombre en pequeño que hay tras las grandes figuras del pasado. De San Jerónimo pone énfasis en las manos sabias surcadas por el trabajo al sol, como serían las de un agricultor, y en los dos cráneos como recipientes de vida y muerte de las ideas. Del gran pintor barroco rescata una herramienta personal, más mundana: la espada que Caravaggio usaba para defenderse en las múltiples contingencias de la vida cotidiana. Al entender de Juanpere, la frase inscrita en la hoja de la espada “alienta a encarar causas difíciles, pese a que cada hombre es un pequeño átomo dentro del universo”.

Teresa Blanch
Comisaria de la exposición

 

+INFO

Confio en tu! // Mostra pública de performance

 

Dilluns, 26/novembre/2018

Confio en tu!

Performance

Mostra de performance dels alumnes de Gaudir de la possible caiguda, taller impartit al Centre d’Art Maristany per Adrian Schindler. Amb Diana Matos, Agustín Ortiz, Eva Prieto, Josep Sayós i Adrian Schindler.

S’oferirà una copa per cortesia dels alumnes del curs.

Lloc: Casa Aymat, c/ de Villà 68

Data: dilluns 26 de novembre

Hora: 19.30h

El curs “Gaudir de la possible caiguda proposa” iniciar-se a la performance a través d’una exploració de les idees de prova i error, de caiguda i de fracàs, tant de manera metafòrica com literal. Mitjançant exercicis físics i d’escriptura (individuals i col·lectius), moments d’intercanvi, exemples històrics i contemporanis i assignacions setmanals, el curs tracta de fomentar un espai de confiança on poder experimentar amb la fragilitat i la incertesa que paradoxalment defineixen la força del moment performatiu.

Ens interessarem, entre altres, per treballs del col·lectiu de performance Goat Island, de les coreògrafes Anne Teresa De Keersmaeker i Meg Stuart i d’artistes com Bas Jan Ader, Sharon Hayes, Marc Vives i David Wojnarowicz.

 

+info