Facultat de Belles Arts

INAUGURACIÓN de la exposicón «NESSUM DORMA» de RENATO COSTA

 

4 OCTURBRE

GALERIA MIGUEL MARCOS

 

Bajo el título Nessum Dorma, la Galería Miguel Marcos inaugura la primera exposición monográfica del artista brasileño Renato Costa en la ciudad de Barcelona.

Renato Costa (Rio de Janeiro, Brasil, 1974) inició sus primeros pasos en el arte en el taller de su padre, el pintor Manuel Costa. En 2005 se traslada a Madrid y realiza los estudios en la facultad de Bellas Artes en la UCM.

Su obra se caracteriza por expresar intensamente las emociones a través de particularidades técnicas y temáticas. Los temas claves son la relación entre el pasado y la actualidad, no solo las personales sino también las colectivas. Reivindica la figuración, la subjetividad y los sentimientos abiertos, convergiendo estas aptitudes en un arte más conceptual.

El título de la exposición, Nessum Dorma ( Que nadie duerma ) es un ejercicio expedito de apropiación manifiesta a una de las arias para tenor, concretamente del acto tercero, más conocidas de la ópera Turandot, con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni.

La tensión “incómoda” expresada en las obras de la exposición, surge derivada de la interfaz entre la historia de la cruel princesa Turandot y el príncipe Calaf (El Ignato), con el espíritu de una actualidad marcada

por el resurgir, cada vez más explícito y abrumador, de valores arcaicos y retrógrados, en una sociedad sometida a cambios vertiginosos, donde la velocidad es la realidad vigente, como instrumento de salvación, de una humanidad que patina sobre hielo fino. (1)

Eros tal como afirma Levinas (2) “es diferente de la posesión y del poder; no es una batalla ni una fusión, y tampoco es conocimiento”.

Eros es “una relación con la alteridad, con el misterio, es decir, con el futuro, con lo que está ausente del mundo que contiene a todo lo que es…”. “El pathos del amor consiste en la insuperable dualidad de los seres”. Los intentos de superar esa dualidad, de dominar lo díscolo y controlar lo que no tiene freno, de hacer previsible lo incognoscible y de encadenar lo errante, suponen la sentencia de muerte del amor. Eros no sobrevive a la dualidad. En lo que el amor se refiere, la posesión, el poder, la fusión y el desencanto son los cuatros Jinetes del Apocalipsis.

(1) Tal como señaló Ralph Waldo Emerson, cuando uno patina sobre hielo fino, la salvación es la velocidad.

(2) Emmanuel Levinas. Le temps et làutre, París, Presses Universitaires de France, 1991, pp. 81 y 78 (trad. Esp.: El tiempo y el otro, Barcelona, Paidós, 1993).

INAUGURACIÓN de la exposición «ALGORITHM» de MARK REDDEN en ESPRONCEDA

 

Este nuevo cuerpo de trabajo es una continuación de temas e ideas cultivados durante varios años y expresado entre los medios de la pintura, el dibujo y la escultura: una fluidez de materiales y formatos que representa la apreciación universal que Redden tiene para la creación artística.

Su práctica consiste en hacer imágenes y objetos trabajados para lograr un equilibrio o ritmo matemático. La naturaleza aparentemente aleatoria de sus creaciones está cuidadosamente compuesta y juega con la idea de entropía, orden y alegoría. Sirve como un registro contemporáneo de un mundo en constante cambio formado por la violencia de la naturaleza.

Sobre el artista

Redden nació en Dublín, Irlanda, en 1979. Se hizo artista artista en sus veinte años en Tasmania, durante una residencia de tres meses en el desierto de Tasmania. Desde entonces ha trabajado y expuesto en Alemania, Noruega, Irlanda, España, China y América. En 2014 se presentó su espectáculo La Bestia Reinventada en el Museo Maritim de Barcelona. Él vive y trabaja en Barcelona. Esta es su primera exposición individual en Espronceda.

INAUGURACIÓN de la exposición «HABITAR» de KATIA MUÑOZ en OLIVART ART GALLERY

H A B I T A R
ABSTRACTOS

De KATIA MUÑOZ

El tiempo se diluye y el espacio cobra vida. En el hombre moderno late una nostalgia y una necesidad de imaginar lugares utópicos. Después de mi serie Espacios Deseados, he seguido creando coordenadas geográficas emocionales que son a la vez, una geografía de identidad propia que responden a mis deseos de un hogar primordial, donde el color persiste y dialoga en sus contrastes. Esta propuesta expositiva pretende mostrar una nueva serie de mapas emocionales, cada vez más líquidos y fluidos donde el color surge de una necesidad interior, la de habitar mis espacios.

«OBRA GRÁFICA ORIGINAL. HOMENAJE A EDICIONES BERTÓ» en la GALERIA EULE

«OBRA GRÁFICA ORIGINAL. HOMENAJE A EDICIONES BERTÓ»

en la GALERIA EULE

hasta el 5 de Octubre

 

El objetivo de esta exposición consite en homenajear al editor Joaquim Gelabertó y destacar la importancia de la obra gráfica en su diversidad técnica.

Las Edicions Bertó (1979-2000) fueron posibles gracias a la idea y el impulso de Joaquim Gelabertó Vilagran (1943-2001), gran apasionado de la obra gráfica original. Estableció una profunda relación y colaboración con los artista que participaron en su proyecto. Cada obra era planteada con el máximo de rigor e inventiva:

  • Papeles hechos a mano y papeles industriales (como el Arches) con diferentes gramajes y texturas.
  • Diferentes técnicas aplicadas simultáneamente en cada papel.
  • Intervenciones de pintura antes y después de los tirajes.

Una frase de Guiovart para entender en que consiste el grabado:

«…Gravar és esgarrapar, expressió, desig, sorpresa, sempre a l’espera de l’última paraula que la donarà el tòrcul». (Catálogo de la exposicón itenerante de la Àrea de Cultura de la Diputació de Barcelona).

Conla exposición actual la Galeria Eude quiere destacar la importancia de la obra gráfica, a través de algunos de los mejores artistas grabadores del panorama catalán.

La exposición está presentada en 4 espacios diferente, donde las obras de los artistas conversan y se comunican: por sus sensibilidad, por las tonalidades del color y por la poesía de los temas y títulos.

 

 

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INAUGURACIÓN de la exposición de GEORG PINTERITSCH en ESPRONCEDA

Este Jueves, 20/09 a las 19h30, habrá la inauguración del trabajo provocativo y inquisitivo del artista Georg Pinteritsch.

(…) Las composiciones de Georg nacen de capas de narraciones construidas pacientemente y pobladas de significados simbólicos. No es el tipo de símbolos que se pueden encontrar en un diccionario de sueños, una guía de Jung a la astrología o cualquier otro esquema enmarcado. Los símbolos nacen aquí libremente para evocar el universo personal, los miedos y los deseos, la perspectiva personal y única de la experiencia humana. En el camino de esta idiosincrasia, uno tiene la posibilidad (pero no la certeza) de encontrar entendimientos comunes, sensaciones conocidas e incluso fetiches compartidos. Todo se vuelve familiar de una manera inquietante. Como si estas figuras se hubieran visto antes, resonando a través de una percepción histórica de la construcción social. (…)

extracto del texto de Vitor Schietti

El graduat en Belles Arts Oriol Aribau, premiat al certamen Art<35 2018

Untitled (shadow II), oli sobre ferro d’Oriol Aribau

Oriol Aribau (Barcelona, 1984), graduat en Belles Arts i màster en Creació Artística: Realismes i Entorns per la UB, és un dels deu artistes guanyadors de l’onzena edició del concurs Art<35 Fundació Banc Sabadell. El certamen, que convoca la Facultat de Belles Arts de la UB, amb la col·laboració de la Fundació Banc Sabadell, vol afavorir la relació dels artistes de menys de 35 anys amb el món de les galeries d’art i de les entitats que promouen exposicions.

Amb aquest objectiu, la Sala Parés de Barcelona (Petritxol, 5) exposa fins al 2 d’octubre les obres dels deu artistes guanyadors. Els treballs que s’hi exhibeixen —cinc de cada creador— han estat seleccionats per un jurat format per artistes, directors de museus, galeristes, comissaris i professionals de la docència, entre els quals hi ha Manuel Aramendía, vicedegà de Cultura de la Facultat de Belles Arts de la UB. L’obra d’Oriol Aribau, en concret, gira al voltant de la percepció dels espais que habitem. Es tracta d’una sèrie de cinc planxes de ferro pintades amb oli que plasmen superfícies que convergeixen i creen llocs nous, o bé s’encadenen i formen siluetes geomètriques, tot mostrant l’empremta del sediment i el desgast.

Suport a la creació emergent

En la convocatòria d’enguany del concurs Art<35 s’han presentat cent trenta-un joves creadors d’arreu d’Espanya. Els artistes triats reben una beca de producció de la Fundació Banc Sabadell, i amb l’exposició aconsegueixen entrar en contacte amb el mercat de l’art i establir-hi relacions professionals. Així mateix, el certamen vol promoure la incorporació de les obres d’aquests artistes en col·leccions d’art, tant privades com públiques. En aquest sentit, inclou un programa d’adquisicions en què participen cinc empreses, cadascuna de les quals s’ha compromès a adquirir una obra de la mostra.

Està previst que l’exposició Art<35, després de ser present a Barcelona, itineri a Madrid i València.

 

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INAUGURACIÓN de la exposición de LEO BURGE en HALFHOUSE

 

Os invitamos este Sábado 15 a partir de las 12h, a la inauguración de la exposición de Leo Burge, artista de la residencia de verano halfhouse-eremuak como parte de Art Nou 2018.

A las 12.30h Leire Vergara, Iñaki Imaz y Maider López nos presentarán el proyecto eremuak

 

Muestra del artista Leo Burge

Este sábado 15 de septiembre a las doce, halfhouse abrirá las puertas del taller donde ha tomado lugar la residencia artistica de verano. Se podrá ver un grupo de obras relacionadas por un mismo proceso caracterizado, en palabras del artista, por el uso del montaje.

«Son más bien montajes que dibujos o pinturas, en los que se va se va explorando la correlación entre materiales. Una amalgama de trazos es la que va dividiendo superficies monocromáticas texturizadas por la materialidad del lino y, en ocasiones la cera pigmentada. La amalgama de trazos se compone de positivos y negativos, de lineas aditivas y sustractivas (…) Mientras éstas tratan de definirse como signos, son dispuestas a menudo generando discordancias e irregularidades, que empiezan por una vibración pulsional de sus rasgos generativos y acaban por un efecto de integración/distinción a nivel del signo, haciéndolo palpitar.»

 

Presentación de eremuak (12.30h)

eremuak, es un programa abierto para la producción de contexto en el arte contemporáneo. La principal finalidad de eremuak es ofrecer una plataforma para artistas, creadores y creadoras, favorecer un clima de debate y encuentro, así como habilitar un lugar de trabajo que funcione a modo de observatorio de la realidad artística contemporánea.
www.eremuak.net

 

www.halfhouse.org / info@halfhouse.org
653600635 / 697676536
Avinguda Vallvidrera 69, bajos
Barcelona 08017

INAUGURACIÓN de la exposición «COREOMANÍA» de MAGDALENA ESTEVE en WERNER THOENI ARTSPACE

WERNER THOENI ARTSPACE

INAUGURACIÓN de la exposición

«COREOMANÍA» de MAGDALENA ESTEVE

 

El termino Coremanía o lo que vulgarmente conocemos como el Baile de San Vito hace referencia a un fenómeno social o patología que se produjo principalmente en los países centroeuropeos entre los siglos XIV y XVII. Esta afectaba a hombres, mujeres y niños, a veces miles a la vez, que bailaban hasta que se derrumbaban de agotamiento.

Magdalena Esteve sitúa esa enfermedad psicógena masiva, bien documentada en su tiempo, en un contexto actual, tanto a nivel personal como social. En un relato intimista que habla de ella misma y a la
vez de nosotros, de una sociedad global que no pone freno a sus delirios de progreso. Protagonistas: las moscas y (nos)otros.

Madalena Esteve: Las moscas y los otros están ocupando un espacio nada adecuado para sus persecuciones porque es tan agitada la coreografía de sus movimientos que el escenario corre el riesgo de perder parte de su estructura. Aun así, ellos bailan y bailan tan ensimismados que ni siquiera perciben el dolor de sus retorcidos cuerpos.

Hace tiempo que “las moscas” es un tema recurrente en mi trabajo, ellas ya tienen un privilegiado lugar en mi bestiario artístico. Son cómplices de mis ensueños, agradecidas en la ejecución y sobre todo portadoras de una carga emocional que con mejor o peor resultado intento transmitir. Ellas van por delante de mis miedos, de mis angustias, mis premoniciones, ellas están antes de la “tormenta”… Después, todo puede pasar, incluso la muerte, porque en esta coreomanía nadie puede dejar de bailar.

 

Inauguración: 20 de septiembre del 2018, 19:30h

Exposición: abierta hasta el 10 de noviembre

martes – viernes 18:30-20:30h

Exposición WHERE DO THE ROCKETS FIND PLANETS? de LEO DORFNER en la galería VICTOR LOPE

GALERIA VICTOR LOPE

EXPOSICIÓN

«WHERE DO THE ROCKETS FIND PLANETS?» de LEO DORFNER

 

La Galería Víctor Lope Arte Contemporáneo presenta la exposición ‘Where do the rockets find planets?’ del artista francés Léo Dorfner. El artista asistirá al evento.

Los mundos colisionan en la obra de Léo Dorfner; vemos bellas artes, mitología y cultura popular combinadas para crear una cacofonía de culturas. Dorfner, un parisino nativo, se formó en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París y ha mostrado su obra en Francia, Alemania y Corea del Sur.
 
Las obras de Dorfner actúan como una cristalización del presente. Vivimos en una sociedad que se balancea entre la fina línea del progreso y la tradición; las obras de Dorfner juntan el pasado y el presente de una manera emocionante, y a menudo, humorística (es difícil no encontrar divertido un tatuaje de Mickey Mouse en la mejilla de Andrómaca). Existe una silenciosa rebelión en sus obras que se manifiesta como un obvio producto del tiempo. Dorfner escoge corromper formas establecidas a través del grafiti y la manipulación de fotografías, esta idea es imposible de desvincular de las imágenes creadas por la generación de Instagram. Con la aparición de las redes sociales la sátira se ha transformado de la forma escrita a las imágenes; un meme tiene tanta importancia hoy en día, como la reseña de Borowitz cuando critica eventos actuales. El arte de Dorfner se centra en el espectro de la sátira social, pasando por polos opuestos con cada nueva obra.
 
Su proceso creativo también se presta a ser considerado completamente moderno. Cuando le preguntas al artista por su fuente de inspiración, Dorfner responde: “Depende del momento, por ejemplo, yo siempre llevo una cámara encima y cuando veo algo interesante, lo capturo. A veces utilizo la foto como foto, a veces la incorporo en los cuadros. También paso mucho tiempo buscando fotos en Internet, lo que alimenta mi proceso de creación y es una parte de mis cuadros.” 

Hannah Brattesani

La exposición se podrá ver hasta el sábado 6 de octubre.
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MECANIC

INAUGURACIÓ DE L’EXPOSICIÓ

«SER DE LA CALA»

DE GERARD BOYER

A MECÀNIC EL DIMECRES 12 DE SETEMBRE A LES 19:30

 

MECÀNIC presenta la seva primera exposició dedicada a un fotògraf local: Gerard Boyer, amb el projecte SER DE LA CALA.

Gerard Boyer aconsegueix engegar una màquina del temps directa a l’interior de cada un de nosaltres. Remou quelcom indescriptible a través del passat i del present.

Mecànic presenta una instal-lació que intenta captar l’escènica que amaga Ser De La Cala, i que pretén despertar les memòries més intimes dels primers estius a la vora del mar.

Ser De La Cala és una història tant local como universal. És la infància d’una generació. És l’intent de retenir els record que s’encapsulen dins de cada carret, i la confusió que genera el límit entre record, peercepció i l’ideal. És per això, que Ser De La Cala és una hisòria sense fi: l’evolució dels nostres paisatges anirà sempre lligada a l’evolució de les nostres vides.

Boyer (L’Ametlla de Mar, 1974) és un dels fotògrafs catalans que despunten en l’àmbit internacional. El projecto Ser De La Cala, ha estat un dels més exitosos, amb presènsia en reconeguts festivals de fotografia com PhotoEspaña’18 a Mejor Libro de Fotografía del Año, Athens Photo Festival Photobook Exihibition. (2018), a BasqueDokFestival 2018 o a Encontros Dai IMagen 2017 a Braga.

 

MECÀNIC Verntallat, 30 – Barcelona

Dimecres 12 de setembre a les 19:30 h

Preu: dia de la inauguració gratuït

 

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