Debates

Proyectos l: Del desdoblamiento de la luz

6 de febrero, a las 19,30 h
Proyectos ll: Modos de ver

Bernat Cisneros, R.G.Bianchi, Anna Marin, Jessie Morin-Davy
Presentación y moderación Antònia Vilà

Antònia Vila: El título del coloquio de hoy es Modos de ver. Este hace referencia a un texto de John Berger que nosotros lo utilizamos con la intención de hacer ver las diferentes visiones de los artistas que hoy presentemos.

Los modos de ver de Berger, de hace casi 30 años, son diferentes a los modos de ver como nosotros los entendemos hoy. El partía de una reflexión sobre como arte del pasado se conjugaba con la experiencia visual de la vida cuotidiana, como esta estaba totalmente transcrita, impregnada en la publicidad, en la cultura visual impresa, y como cada vez tenía más influencia en los nuevos códigos de trabajo de los artistas. En los años setenta, todo su arte emergente como el pop americano y el arte conceptual y otros ya estaban cuestionando el arte como lenguaje y empezaban a deconstruir los modelos que la publicidad utilizaba para vincularse con el arte del pasado. Este texto todavía sirve ya que conecta con el arte del presente; 30 años después estamos mucho más impregnados de publicidad. Para intentar interpretar las relaciones del arte del pasado con el que era una cultura de masas cada vez más democratizada, el capitalismo avanzado se ha desarrollado más y ha impulsado más estas nuevas tecnologías, entre las que nosotros ahora empezamos a movernos y que están abriendo nuevos horizontes en el que no es otra cosa que una expansión más del mundo de la imagen.

Tendríamos de pensar que hace el grabado en medio de todas estas cosas, sin matriz, con obra gráfica, con impresión digital, con interactivos… Vemos que es una consecuencia natural de la ampliación de la comunicación visual. El grabado, en su esencia, siempre ha estado un híbrido, ha disfrutado de ser arte pero también ha contenido todo el que era la ciencia, la biología, todos los conocimientos filosóficos, el conocimiento en definitiva y ha jugado un papel de medio transmisor. De alguna manera, todas estas etiquetas (obra gráfica, impresión digital…) conectan con tres elementos que son primordiales en el hecho gráfico, que son: su capacidad de reproducción, su capacidad de multiplicación y su capacidad de extensión.

Los posgrados se iniciaron por mediación de una litógrafa islandesa que vino a Barcelona y estaba muy interesada en refrescar el que eran los talleres de grabado. Quería proponer la realización de un curso a distancia mediante Internet para intercambiar y ampliar las propuestas tanto de los profesores como las de los alumnos. Esto comenzó el año 94 y en aquel momento en Bellas Artes no havia correo electrónico. Este posgrado a nivel general se configura con los trabajos de los alumnos utilizando un taller de artes gráficas con una ampliación de un aula de impresiones y un laboratorio digital. Este ha dado una gran diversificación que nos muestra des una imagen inmóvil, a una imagen con diaporamas y se proyectan, a imágenes donde hay un interactivo, un conjunto de instalaciones.

La instalación se ha asentado dentro de la mentalidad contemporánea por su capacidad de borrar fronteras entre disciplinas. Actualmente un artista escoge hacer una imagen no en función de una disciplina, si no que quiere usar diferentes mecanismos para expresar la idea, de alguna manera esta postura ha estado impulsada por toda esta reflexión y tendencia que se ha llamado, la posmodernidad. En esta exposición vemos este eclecticismo de tendencias como un sentido natural del arte de ahora. Los posgrados se configuraran en diferentes géneros de trabajo: trabajos sobre el lugar, y el paisaje, el entorno; y trabajos que rodean el tema de la identidad, entendida a partir de diferentes aproximaciones, des de un punto de vista más social, a puntos de vista más personales, más psicológicos o más corporales.

Las persones que integran esta mesa muestran unos trabajos que son instalaciones, tres de ellos tienen matriz (es fundamentan en una interpretación de los moldes que las han configurado), y el trabajo de Anna Marín que transfiere su mundo imaginario a través de una impresión digital.

Bernat Cisneros: Soy el autor de la pieza Familia Gitana que está al final de la nave, es la sábana circular. La sábana es la representación de un árbol genealógico de una familia gitana que reside en Barcelona. Todas las personas que están retratadas viven todavía, y las que son ya difuntas están tapadas con otro trocito de sábana, por deseo expreso de la familia. El hecho que la sábana tenga una forma circular es para representar lo que sería una sección de un árbol centenario, donde veríamos los anillos progresivamente más antiguos hasta el núcleo. La corteza está ocupada por todos los adultos, los matrimonios, que tienen un rol activo en la familia. A medida que nos adentramos hacia el núcleo tenemos todos los niños y niñas de estos matrimonios, los hijos, que tienen un rol menos activo, vital, joven, pero no tan activo como los adultos. Y en tercer lugar están en el núcleo los ancianos, que obviamente tienen un rol importante, e incluso los difuntos también lo tienen, de tipo político. Como núcleo que son estructuran la forma del grupo. La familia son las tres grandes áreas que conforman el círculo.

Todo este trabajo data aproximadamente de hace unos tres años, pero toda la relación con la familia gitana data exactamente de hace seis años. En ese momento yo estaba cursando quinto curso, y la propuesta era hacer un trabajo sobre estampaciones grandes. Quise ligar las necesidades de los estudios a mis preferencias personales, que iban ligadas a la música flamenca. Me interesé por conocer una familia gitana, que encontré paseando por los suburbios de Barcelona. Sin necesidad de crear una situación ficticia, y muy abiertamente, la familia me dejó entrar en una de sus barracas, etc. La relación se fue incrementando y yo fui conociendo a todas las partes de la familia. Intenté disociar las dos partes, en primer lugar centrarme en la música, como elemento de estudio del flamenco; y por otro lado centrarme en el estudio la familia gitana. Para fundamentar el futuro proyecto a nivel gráfico hice una serie de lecturas de estudios antropológicos de otras familias gitanas. Empecé pensando que lo mejor era combinar ese contexto familiar a priori ajeno al mío (por cultura, por etnia), con el mío propio. Pensé que seria interesante que estas sábanas fueran de mi propia familia, y así es.

Todo el trabajo de estampación sobre la sábana, un proceso de fotograbado, es totalmente artesanal, que requiere grabar las placas de cobre una a una. Iba en línea al espíritu vital que yo encontraba a la familia, de una actitud más reposada, más serena. Esas placas de cobre también forman parte del trabajo como objetos, mostrando el aspecto único e individual de cada uno de los miembros, mientras que la sábana refleja su rol en la comunidad.

Como tercer eje de trabajo, hice dos trabajos de vídeo, uno que dura una hora y media y tiene un carácter más documental, y el otro, que representa un último eslabón en mi trabajo, donde son las niñas de la familia que participan espontáneamente en el trabajo. Es la recreación de un serial. En este vídeo, lo más importante es destacar que ellos toman un rol como cualquiera de nosotros.

Jessie Morin: Mi trabajo son dos piezas: Beso y Fin de conte. He mantenido el título en francés ya que puede ser entendido como «fin de cuentas» o «fin de cuentos». Esta pieza tiene su origen en una serie de experimentos con objetos sobre los que les proyecté luz, con el fin de abordar el tema de la sombra. Esta pieza es un juego óptico bastante sencillo de un metacrilato doblado que le incide una luz a 45º produciendo a la derecha una sombra y a la izquierda un reflejo. Las tres figuras son como tres puntos de vista sobre una misma persona. La silueta sería como mi propia figura como James Bond pegada encima del metacrilato. En el taller vi que doblándolo se invertía la sombra: quería dotar este efecto óptico de una intención, de una narración. El campo de amapolas evoca las manchas de sangre, mezclado con el toque poético de la flor, que es un sexo abierto al sol. Esta doble cara se planta también como el duelo entre el reflejo, que se mueve, parte de un mundo cambiante, y la sombra, que permanece fija. Éste es un duelo interno, entre tres personas que son las mismas (silueta, reflejo y sombra). De hecho el doble es algo muy vinculado a la sombra, cada objeto físico tiene un doble en su sombra. Otro juego oculto es que la silueta del metacrilato apunta a la persona que esta mirando, a quien contempla la escena.
La otra pieza, El Beso, también utiliza la sombra. La definición del beso, según un diccionario francés es: «aplicar, poner sus labios sobre, Ej.: besar el crucifijo antes de morir». Besar, en francés coloquial significa dos cosas: «engañar» y «tener relaciones sexuales». Existe una cantidad de besos distintos: el besar la mano al señor feudal, el beso como ritual simbólico de sumisión en relación con el grado social. Otras definiciones son: «beso es el contacto de dos epidermis y la fusión de dos fantasías», «es importante acentuar el papel que juegan en el amor la fisonomía y los gestos tales como un beso, revelan el auténtico ser de la persona que amamos», «¿beso? Un truco encantador para dejar de hablar cuando las palabras se tornan superfluas», etc.

Ante todo, para mí, el beso es una historia de contacto epidérmico, una manifestación del deseo y participación de la excitación. No sólo es un movimiento de la cabeza si no que se avanza todo el cuerpo hasta que se comprime el espacio entre los dos perfiles. El beso representa una tensión, por el hecho que es una pulsión que va a transgredir la burbuja de autonomía de cada uno, su intimidad.

Me propuse sacar una metáfora visual de lo que representaría un beso: sería algo redondo pero tenso. A partir de una imagen recorté los perfiles con cartón, rellené un condón de escayola y apreté con los perfiles. Eso es moldear el vacío, sacar de una imagen lo que tiene de densidad y transformarlo en volumen, que proyecta una sombra sobre la imagen, creando un vacío, un agujero donde hay quien se hunde.

Rafael Bianchi: Mi obra es Coleccionable Primero, para definir esta imagen, debo decir que mi intención era poner en cuestión el estado del bienestar con los sistemas de representación del estado de bienestar. La intención era elaborarla con ciertas dosis de ironía y de sátira, y en cierta medida de grotesco. Es importante que se notara que se ha realizado con cierto sentido del humor, y espero que se lea con ese sentido.

Los referentes de este trabajo están en lo que podríamos llamar el glamour americano, hollywoodiense, en concreto con el melodrama, la fotonovela. Me gustaría que esos personajes que se ven se pudieran identificar con Rock Houston y Doris Day. Este glamour coincide con una manera de vender las cosas que ha llegado hasta nuestros días: es este concepto mercantil, este mecanismo publicitario de vender la ilusión. Por otro lado la connotación del pasado que tienen mis imágenes tiene que ver con una fascinación estética, que siempre ha ejercido sobre mí lo que huele a pasado, pero también lo he utilizado como una manera de expresar el presente.

Ana Marín: El título de mi pieza es Memoria de aire. Es un intento de formular una paradoja sobre la memoria, la memoria que está llena de recuerdos, de historias… pero que esta vez está llena de aire, de alguna cosa que no contiene. Esta pieza es la continuación del trabajo que inicié en la Fundación Miró. Hablo de la emigración de una forma más íntima, como una persona que ha marchado de su tierra puede estar adormecida en un campo de amapolas, como el cuerpo se puede fundir con la tierra, con el deseo de volver a la tierra. Plantea los sueños y las pesadillas de una persona que ha estado lejos, que ha marchado y ahora habla de un cuerpo transparente, que no tiene nada dentro.

Un aspecto que siempre busco es la articulación de contrarios, como el hierro -una cosa contundente y fuerte- y una tela, que es la impresión digital; y como esta tensión, que es como la tensión que vivimos en la sociedad en el tema de la emigración, puede llegar a romperse.

La intención inicial era que fuese un cama elástica, pero trabajando la idea encontré que era interesante jugar a incitar el espectador a que se pudiera tirar, pero que si lo hiciera se rompería la pieza, así como los sueños que podemos tener de una tierra lejana se quedan fragmentados al llegar.

20 de febrero, a las 19,30 h

lmagen digital y nuevas ficciones
Mesa redonda: Orit Kruglanski, Eloi Puig, Joan Urrios
Presentación y moderación Martí Peran

Martí Peran: En este último acto de Sense Matriu los conferenciantes que conforman la mesa no son artistas participantes a la exposición; son tres autores, tres creadores que contemplan el tema objeto de debate des de fuera de la experiencia de la exposición.

En primer lugar me gustaría trasmitiros unas consideraciones que se tuvieron presentes a la hora de titular esta mesa Imagen digital y nuevas ficciones. La razón básica es la sospecha que detrás del arte digital hay tres ideas o núcleos duros que, en su suma, van conformando una ficción. Probablemente, la idea que ha estado más teorizada es la que detrás de todo el trabajo digital hay un mundo de simulación, y como tal es un mundo que sufre de un alto grado de hiperrealización, para paliar su irrealidad. Al lado de la idea de simulación hay dos más que nos llevan hacia el concepto de la ficción. Por un lado la idea de la temporalidad, es decir que la mayoría de las formas de arte digital permiten la creación de una imagen con un parámetro tiempo en activo, con una efectiva narratividad. Finalmente hay un tercer elemento que e s la ausencia de interpretación, digamos la literalidad de la imagen digital o de las narraciones construidas a partir de las estrategias del arte digital. Estas crean un dispositivo que tendría que ser consumido de una manera relativamente inmediata, sin ser sometido a un ejercicio de descodificación, lectura o interpretación de su fondo.

La suma de estos tres núcleos resulta una invitación a pensar la ficción como el punto de llegada que puede unir todas estas prácticas. La exposición en ella misma resuelve y se pronuncia entorno a estas cuestiones, cada uno de los trabajos a su manera.

Eloi Puig: Os presentaré mi última pieza en soporte vídeo, a modo de segmentación de la obra general en la cual trabajo habitualmente. Se titula Fase clau, y a partir de un segmento inicial se va creando y descreando figuras. Más que hablar que hablar extensamente del trabajo preferiría hacerlo de un tema un poco más común a todos nosotros, el del lenguaje que utilizamos todos los que trabajamos en este medio.

Después de haber trabajado durante largo tiempo en este tema, hoy veo que nos podemos encontrar en unas luchas nominalistas para intentar definir si eres un artista digital, o un artista multimedia… Pero si nos remontamos a la historia del arte, podemos ver que, cuando aparece la fotografía, surgió también una disyuntiva entre los artistas que se denominaban fotógrafos picturalistas y los fotógrafos puristas. Esta lucha se prolongó durante mucho tiempo y se creó una situación muy desconcertante, ya que desembocó en la aparición de una nueva manera de representar la realidad, como surgió la fotografía.

Mi postura sería, ahora, la de intentar superar esta fase de desconcierto que se genera en la fase inicial de estas nuevas maneras de utilizar nuevos medios como el ordenador o otros medios digitales, para ir conformando un tipos de trabajo que se estructure por los lenguajes propios de su medio, tal y como lo ha hecho la fotografía.

Joan: Voy a utilizar mi trabajo para explicar lo que puede suponer la imagen digital y las ficciones que han permitido crear las nuevas tecnologías. Pienso que las tecnologías no son neutras, permiten una serie de lenguajes que otras no los permiten.

Del mismo modo que, por ejemplo, el óleo posibilitó un tipo de trabajo, la tecnología digital no es neutra, posibilita un tipo de trabajo en concreto. Por lo tanto, no me gusta el concepto de artista digital por que pienso que tampoco el medio hace el artista.

La tecnología digital, más que una nueva aportación, permite un trabajo con lenguajes que ya existían. Lo nuevo que nos aporta la imagen digital, no es nuevo, pienso que es falsamente nuevo. La manipulación digital nos permite trabajar sin que se note la sutura. En ese sentido, nos abre un mundo de nuevas posibilidades, aunque no soluciona el trabajo del artista propiamente. Lo importante del hecho digital es que ahora hay cosas que se pueden realizar de una manera mucho mas fácil que antes, pues el ordenador ha popularizado el retoque. El ordenador en si no aporta un lenguaje nuevo, pues el retoque digital se apropia de lenguajes que tienen más a ver con la pintura, se apropia de las herramientas más tradicionales. A veces pensamos que el ordenador lo consigue todo, pero hay casos que lo que hace es imitar fenómenos ópticos. Es decir, que las nuevas tecnologías lo que están haciendo es imitar antiguas tecnologías, con recursos mucho más fáciles. En ese sentido tampoco quiero ser radical, si utilizo el ordenador es por que creo que aporta algo, quiero decir que no es neutro. Pero también creo que una técnica es un lugar para investigar. A mi no me interesa la técnica de por sí, lo que busco es una aportación a nivel artístico. Una técnica de por si no es buena ni es mala, es decir, prefiero un buen cómic a un mal libro.
Parece que la manipulación y la mentida que nos ofrece la imagen retocada sea una cosa exclusiva del ordenador, cuando a lo largo de la historia de la fotografía ha habido engaño. Lo que hace el ordenador es posibilitar a un público, es una herramienta al alcance de muchos más. Lo que ha conseguido la imagen con ordenador es hacer más incrédulos a las personas que están mirando la imagen.

Es curioso, por que en otros casos, si se ve el instrumento, si se ve el medio, es como más auténtico. En lo digital, en cambio, se busca que no se vea el medio. Pero lo que a mí me interesa reivindicar es que detrás de ese retoque haya una comunicación, realmente un trabajo. Es más, pienso que el retoque digital nos acerca más a la pintura: cuando veo una fotografía retocada pienso más en un trabajo manual, en un trabajo de retoque, de capas,… que me acerca más al mundo de la pintura que al de la fotografía.

Orit: En mi proyecto intento unir dos de mis intereses, el medio digital y la literatura. Hago experimentos con estos, utilizando la interacción como un recurso poético. En mis trabajos el juego está presente como una base para enseñar al usuario cómo interactuar, pero también como una metáfora. A partir de mis creaciones digitales intento mostrar la relación que tiene la manera de interactuar con el sentido textual de los poemas. Cuando yo empecé a trabajar con el ordenador, había una separación muy clara entre el contenido y la interacción, la interfaz. La interfaz era como una puerta que se abría y que detrás había un contenido, pero la interacción era una acción muy corta, como por ejemplo clicar, para ver, por ejemplo, un vídeo. A mí me interesaba explorar la interacción como herramienta, para intentar transmitir sentido con ella, no solo para llegar a un sentido producido como un texto, o un vídeo. Por eso empecé a buscar interacciones alternativas con el ordenador.

Martí Peran: A partir de las tres presentaciones se ha intentado poner en escena toda una batería de posibilidades y de cuestiones susceptibles de debatir y reconsiderar. En el debate al que estamos sometidos ante este tipo de practicas, Joan se pronunciaba muy claramente al respecto, diciendo que el arte digital no es más que una técnica, que en realidad es una cocina que en sus estrategias no deja de semejarse a técnicas antiguas como la que podría ser la propia pintura. Joan se pronunciaba al respecto diciendo que no hay suficientes datos, suficientes elementos como para pensar que todas las aportaciones que puedan acompañar a esta técnica sean capaces de generar por sí mismas unas modalidades de pensamiento, unas experiencias que requieran ser entendidas de un modo auténticamente novedoso.
Es sólo una técnica o es una experiencia cargada de algo nuevo: éste es el fondo del debate. Joan se mantenía en este extremo de pensar que era sólo una técnica. Creo que a partir de la intervención de Orit la idea de la interacción, que era muy a menudo utilizada como sinónimo de la interpretación misma, se convierte en un gesto fundamental para que suceda la obra.

Son dos posiciones, la de Joan y la de Orit, en las que se centra este debate fundamentalmente, el de si esto es solo una técnica o, por lo contrario, si es una técnica capaz de generar unas experiencias nuevas. A partir de estos dos ejemplos se puede ir tomando posiciones.